Air France

La primera vez que ví el video de "Sexy Boy" de Air recuerdo que pensé que se trataba de otra banda más que quería llamar la atención con un video ultra kisch - parecía una broma ver una especie de peluche King Kon mezclado con vuelos espaciales - y que su efímera historia se reduciría a un one hit wonder. El tiempo no me daría la razón y al contrario de mis pronósticos me volví un fan de la ecléctica música de estos embajadores franceses que aparecieron en escena cuando el pop francés vivía un renacimiento de bandas y proyectos de factura electrónica como Daft Punk, Laurent Garnier o Dimitri From Paris que la prensa especializada bautizó como French Touch. Su sonido es producto de multiples influencias que Jean-Benoit Dunckel y Nicolas Godin han conjudado en una obra notable a lo largo de 11 años. Con la aparición de su extraordinario debut Moon Safari (1998) - el título lo dice todo - nos encontramos con un disco que nos invita a un safari por las junglas de un exquisito pop electrónico donde llueve lounge espacial ("La Femme d' argent", "All a need", "Remember") , easy listening ("Talisman", "You make it Easy") y electrónica retro ("Sexy Boy", "Kelly watch the Stars") siempre bajo una estela vintage, muy francesa, donde es clara la influencia de maestros como Serge Gainsburg. De su debut, Jean-Benoit explica - en una entrevista de 1998 a la revista Los Inrockuptibles - "La mayor parte de los músicos no tienen más de una obsesión: escribir un clásico. Nosotros también, somo como buscadores de oro en busca de la última pepita y aunque sabemos que jamás la encontraremos, las búsqueda nos hace segir adelante. No se trata de revolucionar la historia de la música, sino de dejar en ella una huella universal".



El manjar para los oídos en que se convirtió Moon Safari dejó la vara muy alta para el siguiente disco 10.000 hz Legend (2001) el cual sería destrozado por algunos críticos. Como si se tratace de un experimento, aquí se alejan del easy listening de Moon Safari para explorar terrenos más áridos con temas como "How doest it make you feel?", "Radio # 1" , "People in the City" o "Don't be Light". Al respecto - en una entrevista años más tarde en la revista Trax - Nicolas dice: "Creo que es una gran disco. Es algo complicado, lo que explica que a la gente le costara más entrar. Pero cuando entras es muy trippy. Es un álbum muy importante para nosotros porque nos dio credibilidad". Antes de 10.000 hz Legend, Air crearon un disco para la banda sonora de la mágica "Las Virgenes Suicidas"(1999) de Sofia Coppola, el cual - aún cuando no se comercializó como el soundtrack oficial -contiene una colección de piezas que realzan el efecto lisérgico conseguido en Moon Safari.

Con Talkie Walkie (2004), su tercer disco oficial, Air recobra a los seguidores perdidos luego de 10.000 hz Legend, con un sonido más cercano a su debut, lo que sus creadores niegan reconocer del todo: "Talkie Walkie es la síntesis de lo que somos. Y lo que somos es un poco de lo que fuimos...es otro álbum con su propio sonido. Es un disco muy zen y japonés, hi tech, muy simple, muy amable". Lo de amable se deja ver en su fácil escucha con temas que vuelven al easy listening como "Cherry Blossom Girl" o "Alpha Beta Gaga" o en el retro pop de "Surfing on a Rocket". En el 2007 editan su cuarto álbum Pocket Symphony, una sinfonía de temas que se alejan de las átmosferas vintage para llevarnos a nuevos paisajes emocionales, recargados de voces femeninas: "Creo que si alguien escuchara Pocket Symphony por primera vez sin conocernos de nada, al principio pensaría que somos una banda de chicas...Probablemente también pensaría que usamos drogas porque es un álbum muy psicodélico" - explica Nicolas en una entrevista del 2007 -. Temas como "Left Bank" o "One Hell of Party" - este último con la voz de Jarvis Cocker (Pulp) - se convierten en una especie de folk urbano de principio de siglo, para lo cual Jean-Benoit explica "Cuando creamos nuestra música nos gusta probar siempre diferentes estilos. Por eso cada vez aparecen instrumentaciones distintas, así como artistas invitados. Intentamos sonar diferentes cada vez y también prestar atención a cómo la gente va a escuchar el álbum". El vuelo galáctico y atmósferico de Air sigue orbitando la Tierra y espero - como tantos otros - conocer su nuevo y emocionante aterrizaje.

Planeta Orbital

Siento que hay una especie de misticismo urbano en la música de Orbital. Su sonido llegó a mí a mediados de los '90 como parte de la camada electrónica que explotaba en mi cabeza y que formaban otros como 808 State, The Orb, FSOL y Aphex Twin. A fines de los '80 cuando caía el muro de Berlín, también lo hacía la cultura Rave - ese movimiento que proclamaba las fiestas eternas en medio de la nada al ritmo del acid house y el éxtasis - lo cual provocó que las bandas y los dj's volvieran a encerrase en los clubes para animar a cientos de almas. Bajo esa escena que inundaba Inglaterra nacía Orbital formado por los hermanos Paul y Phil Hartnoll quienes con el single "Chime" marcan el fin de ese movimiento. En 1991 editan su primer álbum homónimo el cual contenía además de "Chime" el extraordinario "Belfast". Siendo Techno, su sonido logra una atmósfera que se aleja del tradicional dance para llevarnos a un viaje que parece traspasar el tiempo y el espacio - tal como lo refleja el excelente vídeo de "The Box" - pero que nos sigue manteniendo suspendidos entre los límites de la gran ciudad.



Con su segundo disco homónimo de 1993, Orbital comienza una senda más experimental - alejada de las cenizas del rave - donde la melodía se hace protagonista en temas como "Lush" y "Halcyon" (hay algo oscuramente lynchiano en el vídeo de este último) . En 1995 editan Snivilization, con cortes como "Are We Here?" y "Forever" y en 1996 lo hacen con el que sería el más celebre de sus discos: In Sides. Este contenía el notable single "The Saint" el cual forma parte de la banda sonora de la película de 1997 del mismo nombre dirigida por Phillip Noyce. A contar del siguiente álbum Middle of Nowhere (1999) la magia de los hermanos Hartnoll comienza extrañamente a decaer - Paul describe algunos temas de este álbum como "el sonido rockero de cuando aún no existía el heavy metal" -, la cual parece ver la luz nuevamente en algunos cortes de The Altogether (2001) como "Illuminate".

Luego de Octane (2003), Orbital anuncia en el 2004 su desaparición luego de la salida del Blue Album. A propósito del título del disco aclaran "Puede parecer que escogimos el azul para transmitir una cierta sensación de tristeza al ser nuestro último álbum, pero no nos sentimos tristes en absoluto, así que simplemente lo escogimos porque era bonito" y en en una de sus últimas entrevistas - para la también desaparecida revista española Trax - Phil aclara "Llevamos 15 años juntos y ahora es tiempo de que cada uno encuentre su camino. Yo me siento con ganas de seguir pinchando breaks en los clubs...Paul parece que prefiere centrarse en la familia...".

Y cuando parece que no volveríamos a saber de Orbital se anuncia para Junio de este año su participación en el Sónar 2009, el famoso festival español de música electrónica, como parte de un tour dedicado a repasar todos los grandes éxitos de su carrera. De su música Phil dice "No nos consideramos pioneros, ni descubridores. Tuvimos la suerte de iniciar nuestra carrera justo cuando mucha gente se dio cuenta de que la música electrónica podía ser tan emotiva, creativa y fascinante como lo había sido el rock durante cincuenta años”. Señores, estos son los misteriosos caminos de la electrónica.

Esas grandiosas canciones de los ochenta (I)

En estos días en que una sobreoferta de bandas abunda en sitios como myspace o en otros medios como revistas especializadas se me hace más difícil conectar con nuevas propuestas musicales. Es paradójico, pues ahora que todo está disponible en la red y podemos por ejemplo escuchar por completo el último disco de nuestros grupos favoritos sin necesidad de esperar que el álbum salga al mercado para comprarlo - por mi parte sigo fiel al formato CD - , esa inmediatez o facilidad que nos proporcionan los nuevos medios hace que de alguna manera se pierda la magia que nos identifica como melómanos. Al intentar un feeling con varias de las nuevas bandas el resultado ha sido en vano y es por ello que en más de una oportunidad he regresado al pasado en busca de músicos o grupos responsables de canciones que siguen dando vueltas en mi cabeza desde los años '80 o '90.

"When Your Heart Is Weak" era uno de esos temas del cual no tenia idea que grupo lo interpretaba, pero como dice un programa de VH1, forma parte de esas grandiosas canciones de los '80. No recuerdo si fue gracias a ese programa que supe que el tema pertenecía a Cock Robin pero lo cierto es que sólo se trataba del comienzo de una camino lleno de sorpresas. Es que la música de Cock Robin está llena de pasajes que me parecen propios, de melodías que se mantuvieron por mucho tiempo ocultas en mi memoria, como imágenes de aquellas películas de tardes de cine en blanco y negro. Liderada por la inconfundible voz de Peter Kingsbery y la sensualidad de Anna LeCazio, la banda se formó en California en 1982 lanzando su primer álbum homónimo en 1985, en el cual venía la vibrante "When Your Heart Is Weak" y la emocionante "The Promise you Made". El segundo álbum After Here Through Midland contenía otra grandiosa canción "Just Around The Corner", la cual está interpretada con una energía y sinceridad únicas: "pensaba que te amaba, pero no puedo decir todavía si estoy realmente seguro".

Con su tercer álbum First Love: Last Rites (1989) la banda se despedía de los hits desapareciendo también de escena hasta su reagrupación en el año 2006.

Otra gran canción de los '80 es "Slave to Love" de Brian Ferry - ex integrante de la desaparecida Roxy Music -. Este tema que me imagino permanece en la memoria de muchos - creo que aparecía en la serie Miami Vice y fue incluida en la banda sonora de Nueve Semanas y Media (1986)-, exuda una sensualidad poco antes vista en una canción pop. En una atmósfera similar Billy Idol lanzaba en 1984 el extraordinario "Eyes Without a Face" en un ejercicio que se aleja del punk rock al cual Idol nos tenía acostumbrados: "ahora cierro los ojos y pienso porque no te desprecio. Ahora todo lo que puedo hacer es amarte como antes...".

También en 1984 The Cars aparece con "Drive" una de las mas exquisitas baladas de la década y en 1985 la banda californiana Mr. Mister hace lo propio con "Broken Wings" una emocionante pieza con una letras como "Nena, creo que esta noche podemos tomar lo que está mal y solucionarlo. Te necesito tanto...".

El Ciudadano Welles

En la historia del cine muchos consideran como la mejor película de todos los tiempos a "Ciudadano Kane" (1941), dirigida, protagonizada y coescrita por el "inmenso" Orson Welles. Siendo su ópera prima, la película revolucionó completamente la técnica del cine - marcó un antes y después en la historia - gracias a su extraordinaria forma narrativa, sus continuos flashbacks que mezclaban presente y pasado, complejos movimientos de cámara, sorprendentes ángulos de visión - literalmente se creó aquí el contrapicado -, y por sobre todo, la experimentación con la profundidad de campo - esta técnica se pudo ver después en otros hitos del cine como "Persona" de Igmar Bergman, el cine de Béla Tarr o de Michael Haneke -.

La cinta cuenta la historia del magnate de las comunicaciones Charles Foster Keane - es casi una biografía oculta de William Randolph Hearst, el verdadero multimillonario de las medios norteamericano - quien nace pobre y en su juventud comienza a armar un imperio de prensa y radio y que gasta su fortuna en una infinita colección de arte. La película comienza con la muerte de Keane en su castillo en cuyos últimos momentos pronuncia la palabra "rosebud" lo cual gatilla un profunda investigación por parte de un grupo de periodistas en busca del significado de tal misteriosa palabra.

Con su quinta película "La Dama de Shangai" (1948), protagonizada nuevamente por el propio Welles junto a Rita Hayworth - quien por entonces era su esposa - comienza su incursión por el género negro, en una historia basada en una novela policial en cuya trama llena de engaños se destaca la extraordinaria escena del tiroteo en la sala de espejos. Siguiendo bajo el cine negro, el director británico Carol Reed invita a Welles a formar parte de "El Tercer Hombre" (1949) - escrita por Graham Greene - la cual constituye todo un hito en la historia del cine. Como en "Ciudadano Kane" esta película innovó en muchos recursos técnicos - es evidente el aporte de Welles al film - como el trabajo de luces y sombras - notable es la escena donde Harry, el personaje interpretado por Welles, aparece desde las sombras - y la técnica de la cámara inclinida - utilizada por los realizadores alemanes de los años '20 - para dar una atmósfera expresionista. Rodada en verdaderos exteriores de Viena - como las escenas de las persecuciones en las cloacas - y acompañada por la banda sonora de Anton Karas destaca también la escena final donde Ana - interpretado por Alida Valli - aparece caminando desde lejos hacia la cámara, lo que nunca antes se había visto en el cine.

Se dice que "El Tercer Hombre" es la película más brillantemente lograda en blanco y negro a lo que yo agregaría "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz y otra película de Welles: "Sed de Mal" (1958). Protagonizada por Welles, Charlton Heston y Janet Leigh - la actriz de "Psicosis" de Hitchcock - la película es cine negro en estado puro, un thriller que relata una historia de corrupción que ocurre en los oscuros bares y moteles de una pequena ciudad fronteriza. Aquí Welles vuelve a sorprender con su genialidad desde el principio con un plano secuencia de tres minutos en que la cámara sigue a un automóvil al cual le han puesto una bomba. En su siguiente película "El Proceso" (1962), Welles muestra a su manera el mundo de Kafka, y luego lo haría con Shakespeare en "Campanadas a Medianoche" (1965), tal como lo había logrado con su visión de los clásicos "Macbeth" (1948) y "Othello" (1952).

El talento y genialidad de Orson Welles (fallecido en 1985) que desde el principio hizo que Hollywood desconfiara de él - por suerte para nosotros que podemos disfrutar de su libertad creativa - lo sitúa en la cima de los realizadores cinematográficos de todos los tiempos. Con una enorme influencia en otros directores como John Huston ("El Halcón Maltés"), William Wyler, Billy Wilder y Stanley Kubrick, Orson Welles es para el cine lo que Lou Reed es para el rock and roll.

Murakami Blues

Llegué a la literatura del japonés Haruki Murakami por la curiosidad que me producía un título como "Kafka en la Orilla" (2006), novela de la cual había leído variadas críticas en distintos medios - como también de "Sauce Ciego, Mujer Dormida" y "Al sur de la Frontera, al oeste del Sol" - . Pero no fue esa novela la que finalmente me sumergería en el universo de Murakami, sino sería otra novela con un título igual de cautivador: "Tokio Blues". La novela (publicada originalmente en 1987 y editada en español el 2005) narra en primera persona los hechos que acontecieron en la juventud de Toru Watanabe, recuerdos que son gatillados 20 años después al escuchar "Norwegian Wood" de The Beatles mientras aterriza en un aeropuerto europeo. Es así que a través del extraordinario relato aparecen sus amigos de la universidad, sus amores (Naoko , Midori) amantes y amigas que con el paso del tiempo lo van convirtiendo en un hombre.

"Tokio Blues" es eso, un blues escrito en forma preciosista, una poesía a ratos divertida, a ratos desoladora, a ratos extremista - como en su forma de narrar los encuentros sexuales con sus amantes - , y muchas veces melancólica, como la Estambul de Orham Pamuk. Lo que Murakami escribe en sus páginas es puro realismo, realismo occidental en plena Asia bañado de referencias pop - The Beatles, Rolling Stones, Bob Dylan, The Beach Boys, el cine de Mike Nichols con "El Graduado" - y también muy bop - el jazz de Coltrane, Parker o Miles Davis - como "En el Camino" de Jack Kerouac. A propósito de sus influencias, Murakami, que tenía un club de Jazz y también es fan de la literatura norteamericana dice " Me gusta la cultura pop - Rolling Stones, The Doors, David Lynch -. Me gustan las películas de terror, Stephen King, Raymond Chandler, las historias de detectives".

La forma detallista en que Murakami describe todo - gestos, movimientos, sentimientos y lugares - parece no dejar nada a la imaginación, porque todo esta aquí a la vista: "Me acordé de Naoko en aquella mañana de lluvia, con el chubasquero amarillo limpiando el gallinero y acarreando el saco de grano. Recordaba al pastel de cumpleaños medio deshecho y el tacto de mi camisa empapada por las lágrimas de Naoko. Sí, aquella noche también llovía. Era invierno, Naoko caminaba a mi lado con aquel abrigo de piel de camello...". Son estos pasajes y los episodios íntimos de la novela que parecen estar retratados a la perfección en el cine asiático de Wong Kar Wai o en las imágenes de la estremecedora "Lust,Caution" de Ang Lee.

Para Murakami, "Tokio Blues" fue un experimento: "No tengo interés en escribir novelas largas con estilo realista, pero decidí que, aunque sólo fuera una vez, iba a escribir una novela realista. Tokio Blues fue un simple experimento. Personalmente me gusta esa novela, pero no he vuelto a leerla desde hace casi 20 años". Este "experimento" para mí - y no tengo dudas que también para el resto de los lectores - se ha transformado en una extraordinaria experiencia literaria. Quedo a la espera de que ahora se repita con "After Dark".

La mirada de Hope Sandoval

La mirada - y voz - de Hope Sandoval son únicas. Sus ojos parecen esconder una profunda tristeza, mezcla de hermosura y misterio reflejado en las letras de sus estremecedoras canciones ¿Que hay en esta chica que parece atraparnos?. Hubo un tiempo que miré y escuché tanto sus vídeos con Mazzy Star que me inspiró a escribir lo que sigue: "Me gustaría sumergirme en tu tristeza y cabar tan hondo, tanto tiempo, hasta encontrar un rastro de sonrisa. Y volver a salir, feliz, tan lleno de tristeza". Es que hay que ver las imágenes de sus presentaciones en
vivo - guitarra acústica, ella y su pandereta - o de singles como "Fade into You" para comprender - y sentir - lo que Hope Sandoval nos quiere transmitir.

Mazzy Star se formó en California en 1989, junto a David Roback en el circuito college influenciados por la neo psicodelia y el folk, donde se incorporarían luego Jill Emery, Keith Mitchell, Suki Ewers y William Cooper. La banda se convirtió en un ícono a mediados de los noventa gracias a su particular estilo de poética folk oscura - a veces lynchianas, a veces herederas de The Velvet Underground - que la prensa especializada bautizó como sadcore. Su primer disco She Hangs Brightly (1990) contiene los primeros ecos de sus sedantes y extraordinarias canciones, como "Halah", "Ride it On" y "She Hangs Brightly" - aquí hay ecos a The Doors - o "Taste of Blood". En 1993, lanzan su álbum más conocido "So Tonight That I Might See", que contiene el hit "Fade into You" - que sería luego muy sobrexplotado en comerciales y series de tv - y otras notables obras como "She`s my baby" o "Into dust".

Among My Swan (1996) con temas como "Flowers in December", se convierte en el último disco de Mazzy Star, tras la separación - ¿definitiva?- de la banda. A propósito, Hope Sandoval decía - en una de las escasas entrevistas que ha dado - en el 2002 “Mazzy Star siguen existiendo, están muy bien y no tardarán mucho en publicar un nuevo álbum”. Entre tanto, su inconfundible voz se podía escuchar en distintas colaboraciones - tal como lo hiciera con "Something Always" y "Perfume" de Jesus & The Mary Chain en 1994 y 1998 respectivamente - en bandas como The Chemical Brothers, Air, o Death In Vegas (para este año se anuncia su partipación en un tema del esperadísimo nuevo disco de Massive Attack).

Siguiendo la atmósfera creada en Mazzy Star, Hope Sandoval se une con Colm O´Cisosoig - ex lider de al mítica My Bloody Valentine - en 2001 para dar vida a The Warm Inventions. "Teníamos unas canciones y las quisimos grabar" díria Hope Sandoval a lo que agregaba "Me parece natural que la gente lo compare con Mazzy Star, porque soy el cincuenta por ciento del grupo que lleva la parte más definitoria del sonido. Soy la cantante, y van a identificar una cosa con la otra, pero no me importa que lo hagan". El fruto de esta unión se titularía Bavarian Fruit Bread del cual me llegaría a través de Rock de Lux el onírico single "On the Low", álbum donde se destacan también los temas "Feeling Of Gaze" y “Around My Smile” a lo que seguiría despues el EP Suzanne(2002).

Aún cuando actualmente no hay anuncios de nuevos discos, Hope Sandoval no para, con giras esporádicas, colaboraciones en distintos proyectos y bandas sonoras, el sonido mazzy y su mirada profunda sigue intacto en nuestras almas.

Lou Reed: rock and roll animal

Si existe un nombre que equivale a rock and roll entonces es Lou Reed y The Velvet Underground. El músico y banda más influyente en la historia del rock (con permiso de The Beatles) han sido admirados por generaciones, desde David Bowie, pasando por Patty Smith, la generación punk y post-punk completa, la no wave, el garage, el noise rock (con Sonic Youth a la cabeza), la escena alternativa (como R.E.M), hasta llegar a los actuales regeneracionistas como The Strokes, The Killers o The Vines.

Supe de la existencia de Lou Reed y de su seminal banda de los '60 a través de una histórica fotografía de 1972 donde aparece junto a Iggy Pop y David Bowie sumado a la lectura de entrevistas a distintos músicos en donde a la hora de preguntar por las influencias había un nombre que se repetía: The Velvet Underground.

La historia de este músico y su banda es simplemente fascinante. Convertidos en el espíritu de la norteamerica urbana de los '60, Reed comenzó a cantar y componer muy temprano a la edad de 14 años en Long Island en distintas bandas de su escuela - que el mismo reconoce como muy malas - influenciado por Roy Orbison, Carl Perkins, James Burton y discos de doo woop, y en sus letras por la literatura de la generación Beat (Jack Kerouac, William Burroughs, Allen Ginsberg, Hubert Selby). Al entrar a al Universidad de Siracusa conoce al poeta romántico Delmore Schwartz quien se convertiría en una de sus mayores influencias a la hora de componer sus letras, verdaderas obras de poesía, que a diferencia del resto de los músicos, se atreve a cantar en un leguaje simple y directo lo que pasaba en las calles, la cruda y salvaje vida real. Reed decía "con mi manera de cantar quiero que sientas como si alguien está sentado a tu lado, es muy íntima y muy real, tienes que creer que es real".

Luego de la "infeliz experiencia de la universidad" Reed se muda a Nueva York convirtiendo esta ciudad en su ADN. Contratado como compositor en Pickwick International conoce en una cafetería a John Cale con el cual comiezan a tocar en la calle canciones como "I Waiting for the man" y "Heroin" - según la revista de Rolling Stones, "Heroin" forma parte de la exclusiva lista de canciones que han cambiando el mundo, y con justa razón, ya que ninguna otra canción hasta entonces se había atrevido a hablar de forma explícita del consumo de drogas con letras como "Ya no sé adónde voy, Pero voy a intentar ser el rey si es que puedo. Porque eso me hace sentirme un hombre. Cuando pongo la aguja en la vena ..." -. Al tiempo, se les uniría Sterling Morrison y Maureen Tucker dando vida a The Velvet Underground, transformándose en embajadores del Village tocando en clubes como el café Bizarre hasta que son "adoptados" por el padre del por art Andy Warhol en 1966 convertiendo The Factory (el famoso estudio de arte fundado por Warhol) practicamente en su hogar - "la Factory era una locura exitante" diría Reed -. Es en este lugar donde conocen a la mítica modelo y cantante Nico, la cual por un tiempo se tranforma en un miembro más de la banda. La relación mágica que la banda lograría con Warhol y su equipo se debió a que confluían de forma perfecta el genio artístico con la experimentación creativa y cuyo climax se lograría en las presentaciones del Exploding Plastic Inevitable, espéctaculo que mezclaba música, danza y proyecciones de cine. Es bajo esta atmósfera que aparece el primer álbum de la banda titulado The Velvet Underground and Nico (1966) - en cuya portada diseñada por Warhol aparece el famoso plátano - en el cual venían los extraordinarios "I Waiting for the Man" y "Heroin", los temas interpretados por Nico "Femme Fatale", "All tomorrow's parties" y "All be your mirror" y otros como "Venus in Furs".

En 1967, editan el álbum White Light/White Heat en donde la mezcla de serias letras adultas contando lo que pasaba en la New York de los '60 junto a la experimentación sonora en el uso del feedback - con el cual querian emular el sonido de una sección de saxofón del free jazz - transformó a The Velvet Underground en vanguardia pura. Este álbum con temas como "White Light/White Heat" y "I Heard Her Call My Name" se convertiría - gracias a sus guitarras distorsionadas - en la piedra filosofal de las generación noise rock norteamerica (Sonic Youth, Deerhoof, The Jesus Lizard) y el movimiento shoegazing británico (My Bloddy Valentine, Jesus and the Mary Chain, Ride).

En 1968 aparece el disco homónimo The Velvet Underground, sin la participación de John Cale -quien es despedido por Reed - donde se nota su ausencia gracias a un estilo más dulzón que los anteriores y con hermosos temas como "Pale Blue Eyes" ("Algunas veces me siento tan feliz. Algunas veces me siento tan triste. Algunas veces me siento tan feliz. Pero la mayoría de las veces me vuelves loco contemplando tus ojos azul pálido"), "Candy Says" y "Beginning too see the ligth". En 1969 The Velvet Underground pasan a formar parte de los músicos residentes del Max Kansas City (mítico Club fundado por Mickey Ruskiny que luego albergaría a toda la generación Punk), el cual también frecuentaban figuras como Janis Joplin y Jim Morrison. Es en esta epoca donde la banda editaría su último álbum Loaded con fabulosos temas como "Rock & Roll" y "Sweet Jane".

Lou Reed inicia su carrera en solitario en 1972, con un disco homónimo para despues dar vida a Transformer (1972), disco que transforma literalmente a Reed en el prototipo del glam rock, con extraordinarios temas como "Walk on the Wild Side", "Satellite of Love" y "Perfect Day" ("pensé que yo era alguien más, pensé que era alguien bueno" ) - canción que se popularizó como parte de la banda sonora de Trainspotting (1996) en la surrealista escena donde Mark Renton luego de inyectarse se hunde bajo la alfombra en una sobredosis -. Transformer sería producido por más ni menos que David Bowie - quien por entonces ya admiraba a Lou Reed - lo que gatilarría una amistad que dura hasta hoy. A propósito, Reed escribiría en los '90 en la revista Rolling Stones "El aporte de Bowie al rock fue el ingenio y la sofisticación...Ziggy Stardust es uno de mis discos favoritos" . El siguiente álbum titulado "Berlin" daría un paso decisivo en la carrera de Lou Reed siendo un álbum conceptual que llega a lo más profundo del alma con tématicas como la violencia, la prostitución, drogas y suicidio - "estaba escribiendo sobre el dolor y de las cosas que duelen" , diría Reed-. El legendario crítico musical Lester Bangs diría que había sido el disco más deprimente que había escuchado nunca con canciones como "Caroline Says", "The Kids", "The Bed" y "Sad song". Un disco como Berlin no se vería nunca más en la hsitoria del rock. En 1974 Lou Reed vuelve a escena con el salvaje "Rock and Roll Animal" disco en vivo que lo lanza a una gira es su etapa más oscura y salvaje, viviendo al borde como todo un rockstar. Seguiría en los setentas editando discos de menor trascendencia, al igual que en los ochentas y los noventas sin dejar de componer con una prolífica producción de discos. En nuestra década destaca la aparición de The Raven (2003) inspirado en la poesía de Edgar Allan Poe.

El animal del rock and roll sigue paseando por la calles de la ciudad, observándonos, para luego plamar esas historias en sus canciones. Y no descanzará, pues siempre ha dicho "nací para el rock and roll".